lunes, 15 de febrero de 2016

LOWBROW CON YOSUKE UENO

LOWBROW CON YOSUKE UENO


Arte



El “amor, espacio y energía positiva” de Yosuke Ueno surgió cuando a muy temprana edad el artista japonés aprendió a pintar y dibujar de forma autodidacta. Ueno nació en 1977 a tiempo para el florecimiento del Surrealismo Pop de los 70’s. Este movimiento underground nacido en California, EE.UU., fue conocido en sus inicios como “lowbrow art”, en oposición al arte “highbrow” considerado el único aceptable por parte de las élites de la alta cultura.  El término “lowbrow” fue acuñado por Robert Williams en 1979 y fue denominado “surrealismo pop” en 1998 en una exposición en “The Aldrich Contemporary Art Museum”. Al principio, muestras de Surrealismo Pop fueron expuestas únicamente en galerías alternativas como “La luz de Jesús” y la “01 Gallery”, hasta que el artista Anthony Ausgang obtuvo un show en solitario en 1992 en una galería formal, la “The Julie Rico Gallery” en Santa Mónica. El movimiento mezcla el humor, la sátira, el kitsch y lo onírico haciendo uso de las técnicas y estilos del “arte bajo” como el cómic, el tatuaje y el graffiti. Ha sido descrito como una propuesta de sensibilidad mutante que casa al surrealismo con la cultura pop.


En 1994, a los dieciséis años, el artista conocido como Spaceegg77 ofreció su primer show en Yamaguchi y desde entonces ha expuesto su obra a través de Asia, Estados Unidos y Europa. Ueno continúa activo y sus exposiciones más recientes tuvieron lugar en el 2015, con shows como “Americana/An exploration of Bug Top Culture” (LA), “Thinkspace 10 year anniversary Show” (LA), “POW! WOW! HI” (Hawaii), “20 years Under the influence of Juxtapoz” (LA), “DREAMLANDS Show” (LA), el solo show “Beautiful Noise” (LA) y “A think & a drink with Contempo” en el Honolulu Museum of Art (Hawaii).


Spaceegg77 hace uso de diversas materialidades y técnicas, entre ellas, lámina de impresión sobre rag paper, acrílico sobre lienzo, tinta sobre papel, grafito sobre papel, lápiz sobre papel, panel de madera forrado (con marco decorado), acrílico en tabla, escultura en técnica mixta, acrílico en panel de madera, técnica mixta sobre lienzo y óleo sobre lienzo. Su trabajo está inspirado, según entrevistas, en “cultura, literatura, música, películas, Arte, y las chicas…” Las imágenes de sus obras vienen de sus experiencias y declara que ‘son por decirlo así, cartas de amor a las cosas que le importan’. El simbolismo y la inocencia de sus obras tienen contextos y capas ocultas que son expresadas a través de una mezcla entre el estilo de la pintura tradicional japonesa y el ya mencionado lowbrow art. Lo tradicional influye en las posturas y posiciones de sus personajes, mientras que entre sus temas frecuentes encontramos calaveras, cisnes, tijeras, ojos, la palabra “LOVE”, personajes de videojuegos y caricaturas, y por supuesto, chicas. Suele pintar en series, como los son “A day in the life”, “Positive Energy (Positive – E)”, “Landscape” “Kumonori”, las estaciones (“Spring” y “Summer”), “White Soul”, “Buddhastar” y “(Super Economy Seat)”. Ocasionalmente Spaceegg77 recurre al remake de famosas pinturas consideradas “highbrow art” y frecuentemente utiliza como background para sus personajes y escenas partes pequeñas, casi olvidadas, de obras reconocidas.


Una característica interesante del arte de Yosuke Ueno, además de su experimentación con lo tradicional y lo pop, con lo clásico y lo contemporáneo, es el uso recurrente de los colores rojo, verde, amarillo y azul en el cabello de muchos de sus personajes. Se trata de uno de los significados ocultos en sus obras: los colores representan las cuatro bases del ADN (adenina, timina, guanina y citosina, o A,T,G & C), los elementos moleculares compartidos por todos los seres animados. Un mensaje de que todos los seres deberían tener el mismo valor.


Spaceegg77 busca con su trabajo sobrepasar su propia imaginación, y en esto compara al artista con el científico, pues ninguno conoce el resultado de sus experimentos hasta el final. Ueno considera al cerebro como la posesión más valiosa de un ser humano, pues es aquello que le otorga una identidad profunda a las personas, y define su carácter y su comportamiento.


Sus trabajos han sido exhibidos en algunas de las galerías más establecidas del mundo, incluyendo grandes exhibiciones en su país natal en el Shimoni-Seki Museum y el Museo de Arte Conmtemporáneo de Tokyo. Ueno es activo en las redes sociales (Facebook, correo electrónico, Youtube) y ofrece sus trabajos a través de varios sitios web, entre ellos thinkspacegallery.com/artists/yosuke-ueno/.




YOSUKE UENO: LA COLORIDA TRADICIÓN DE LO MUNDANO


El expresionismo y lo cotidiano han hecho parte de la pintura japonesa desde el nacimiento del movimiento Bunjinga (Nanga) de los siglos XVII, XVIII y XIX. Los trazos definidos y el uso de colores vibrantes hacen parte de las cautivadoras tradiciones japonesas de los grabados, las estampas, la decoración, las novelas ilustradas y la pintura Zen. El surrealista pop Yosuke Ueno recoge el desenfado de la pintura costumbrista y algo de la majestad de las tradiciones religiosas y artísticas del Yamato (antiguo nombre de Japón) para producir una obra vibrante de color, cargada de símbolos y sentimientos. Pienso que una mirada con ojo avisado a la pintura tradicional japonesa puede ayudarnos a recoger los códigos y contextos culturales necesarios para interpretar las obras de Yosuke Uneo y las de otros compatriotas suyos enfocados en el arte “lowbrow”.


Fundamentalmente, exploraremos las escuelas cuyo uso del color, la belleza femenina y la representación de lo mundano establecieron las bases del arte contemporáneo en Japón. No dejaremos por fuera la influencia europea y americana y sus raíces en el pensamiento filosófico cambiante de los siglos XIX y XX. Compararemos el surrealismo pop con el surrealismo y el pop puros, separados, explorando similitudes y diferencias y su reflejo en las obras de Ueno.


En una realidad como la nuestra, los engranajes del consumismo se mueven a través de la publicidad y las noticias presentadas por los medios. Tenemos grabados en nuestras mentes los jingles, el tema de colores, los slogans, las mascotas, los logos e incluso algunas frases memorables de los comerciales de cientos de marcas, estudios y compañías, tanto que se han introducido en nuestro lenguaje cotidiano, y sin saber muy bien por qué, ciertos empaques, símbolos y sonidos nos atraen más que otros. Los artistas no son inmunes ni indiferentes a esto y mientras que los defensores del “highbrow” miran desolados ese paisaje de compra y venta de lo creativo, los contemporáneos han abrazado la “vulgarización” de la música, la ilustración y la pintura y la han dotado de significado, convirtiéndola en comentario del presente, el pasado y el futuro. Yosuke Ueno pinta y esculpe lo que ve en el mundo, en el aquí y en el ahora, manteniendo la comunión entre ciencia moderna y arte en la que cree, y los temas espirituales de la cultura japonesa tradicional. Esto convierte a Ueno en un artista de hoy, pero que tiene presente muy el pasado.


La pintura de género desarrollada en Japón a partir del siglo XVI fue patrocinada por la burguesía que había salido rica de las guerras civiles y empezaba a construir su lugar en la sociedad japonesa. A diferencia de las clases nobles, los burgueses favorecían las representaciones de las actividades cotidianas de la ciudad con sus festividades y diversiones y se centraba especialmente en el tema de la mujer elegante y hermosa (Biosca et al., eds., 1997). Este tipo de pintura ilustra la moda femenina (los peinados, la vestimenta) y el estilo de vida de la clase emergente (burgueses). Se trataba de la imagen de lo agradable, el reflejo de los placeres y la riqueza. (Ostier, 1970). Algo similar ocurrió en Inglaterra y posteriormente en Estados Unidos con el nacimiento de movimientos figurativos que ‘redescubrieron el universo de lo cotidiano en los aspectos más banales de la moderna sociedad industrial y de consumo’ (Guasch & Hernando, 1996). El primero de estos fue el “pop art” que introdujo la temática de todos los elementos propios de una sociedad movida por el “progreso” económico. Para Lucy Lippard, la filosofía y las escuelas de pensamiento desarrolladas por filósofos como Husserl, Heidegger y Wittgenstein, así como las obras literarias de Rimbaud y James Joyce (Ulisses) y la presencia de Duchamp y los dadaístas en Nueva York fueron decisivos en este desarrollo. A su vez, el movimiento surrealista llega a Japón desde Francia en el siglo XX, a través de un grupo de artistas japoneses (principalmente escritores, poetas) que regresaron a su país desde Europa y comenzaron a escribir Haikus y Rengas de estilo surrealista, en simpatía con las mismas ideas comunistas y freudianas que dieron nacimiento al surrealismo europeo.


La pintura de género y la pintura costumbrista en Japón, ricas en técnicas coloridas y de trazos precisos heredadas de la tradición, coinciden en tema con aquel arte pop americano, conformista con el sistema económico y social burgués/capitalista, pero inconforme respecto al arte. La mezcla con el surrealismo les permite a los artistas de estos géneros el empleo de fragmentos superpuestos que yuxtaponen el mundo de distintas épocas y nacionalidades, así como los mundos de lo onírico y lo verosímil, en un mismo lienzo. La discusión respecto al surrealismo pop así concebido, vino principalmente del debate acerca de si es un auténtico tipo de arte (más que experimentación amateur), primero, y del debate acerca de sus rasgos definitivos, segundo. El reconocimiento que lo “legitimizó” como movimiento artístico fue la inclusión de obras pop-surrealistas en galerías de arte formal, empezando por la Julie Rico Gallery apenas en 1992, mientras que el pop art americano en 1962 con el primer artículo favorable hacia los que Swenson llamó “pintores de enseñas” para Art News. Sin embargo, el arte nunca perdió su status quo de “underground” y más recientemente, “hipster”. Pero el surrealismo pop no teme a la ironía y ha dado en llamarse con el nombre autocrítico “lowbrow”, por el que toma crédito Robert Williams.


Una búsqueda en Google de Surrealismo Pop arroja como resultado obras de y artículos acerca de Yosuke Ueno, Mark Ryden, Naoto Hattori, Tod Schorr, entre otros. Todos sobresaturados de detalles en montajes de elementos anacrónicos, contrastantes, de formas afiladas y otras redondas, de colores profundos y brillantes. En el trabajo de Yosuke Ueno, es evidente el empleo de elementos “vulgares” y “desechables” (zapatos, electrodomésticos, tijeras) convertidos en símbolos de la espiritualidad humana. Ueno fusiona los temas ciencia, amor, sueños, consumismo, espacio, espiritualidad, belleza femenina, vida, arte, caricatura, civilización, tecnología y naturaleza. El lema de Ueno no es uno de rebeldía contra el sistema, sino de “energía positiva” que acepta dicho sistema como parte de la existencia humana y lo expresa bajo una luz de alegría y significado espiritual. Así, Buda lleva un casco de astronauta, Ganesha flota sobre una nube en postura de Buda protector, una creatura de cabeza de cubo monta una nube amarilla en postura de DharmaChakra (Buda que enseña) y la vida misma es representada por medio de una criatura de la naturaleza llamada efiL (“Life” al revés) que puede existir tanto en el bosque como en el espacio. El kitsch abraza la tradición y se transforma en simbolismo.


La influencia de Occidente sobre el arte contemporáneo japonés (y la probable influencia inversa, de la tradición japonesa sobre América, con el Art Noveau naciendo del estilo Rimpa, por ejemplo) ha tenido un decidido influjo sobre el artista de “lowbrow” que tratamos en este trabajo. Rompiendo las convenciones del arte y abrazando a su vez la cultura del mundo capitalista, Yosuke Ueno construye su propio mundo de símbolos con sus tijeras y mariposas, con sus elfos, sus nubes, sus tragones, sus elefantes, los colores del ADN y el mensaje de “Never Negative Again”, rebelándose principalmente contra la oscuridad y la negatividad de sus años de adolescente y que son temas recurrentes en los trabajos de algunos surrealistas contemporáneos (tales como Tetsuya Ishida). Lo cotidiano y lo onírico, lo espiritual y lo mundano, lo gigante y lo pequeño, lo natural y lo artificial, lo occidental y lo oriental conviven en los lienzos de Ueno, unidos por el espíritu por largo tiempo cultivado de una pintura que expresa la vida humana desde todas sus aristas, sin prejuicio.



BIBLIOGRAFÍA
Libros
Biosca, Ana, Garriz, José & López, Mª ángeles. Historia del Arte. Barcelona: Océano Grupo Editorial. Vol XIII Asia. 1997.
Gombrich, Ernst. Historia del arte. Madrid: Alianza Editorial. Decimoquinta edición. 1990. 
Guasch, Anna María. El arte en el último siglo XX: del posminimalismo a lo multicultural. España: Alianza Ed. 2000.
Guasch Ferrer, Anna & Hernando Carrasco, Javier. Historia Universal del Arte. Madrid: Editorial Espasa Calpe, S.A. Tomo II: Arte del siglo XX. 1996.
Ostier, Janette. Estampa Japonesa (Capítulo 14). En: Historial del Arte. Barcelona: J. Pijoan Salvat Editores, S.A. Tomo 4. 1970.

Artículos
Goodall, Hollis. “Origins and Influence of Surrealism in Japanese Art”. 2013. Disponible en línea: https://unframed.lacma.org/2013/01/03/origins-and-influence-of-surrealism-in-japanese-art [Consultado el 22 de Enero de 2016].
Vermillion, Miu. Yosuke Ueno: Interview. En: Art, Painting & Illustration. 2014. Disponible en línea:
https://beautifulbizarre.net/2014/07/07/yosuke-ueno-interview/ [Consultado el 22 de Enero de 2016].

Webgrafía
http://spaceegg77.com/
https://www.facebook.com/YosukeUenoArt
http://www.widewalls.ch/artist/yosuke-ueno/
http://thinkspacegallery.com/artists/yosuke-ueno/
https://www.youtube.com/channel/UCudbqBbKNSIsY1BxFJ4WoJw
http://www.mymodernmet.com/profiles/blogs/japanese-pop-surrealism-by

Películas
Ueno, Yosuke. Civilization文明を抱えて. Japón: 2011.
Ueno, Yosuke. Memento mori. Japón: 2014.

Obras de Yosuke Ueno
BUDDHASTAR2011. 2011. Acrylic on canvas. 48" × 60" 122 × 152 cm. Show: Elements and Oddities.
EfiL. 2010. Acrylic on wood panel. 28.5" × 19.5" 72 × 50 cm. Shows: Affordable Art Fair, Beyond Eden Art Fair.
Kumonori (Girl with a Pearl Earring). 2015. Acrylic. 13.5" × 17.9" 34 × 45 cm Show: Beautiful Noise.
Kumonori. 2011. Acrylic on wood panel. Framed 15" × 12" 38 × 30 cm. Show: Elements and Oddities.
Kumonori Hapiko. 2011. Acrylic on canvas. Framed 36" × 36" 91 × 91 cm. Show: Elements and Oddities.
Portrait of You #2 (Super Ecomomy Seat). 2015. Acrylic on canvas. 40" × 40" 102 × 102 cm. Show: Beautiful Noise.
Positive E – No 3. 2009. Acrylic on canvas. 45.6" × 31.6" 116 × 80 cm. Show: Beyond Eden Art Fair.
Positive E no.06. 2012. Acrylic on canvas. Framed 19.5" × 28.5" 50 × 72 cm. Show: The Specific Illusion.
Positive Energy No. 07. 2015. Acrylic on canvas. 35.8" × 39.3" 91 × 100 cm. Show: Beautiful Noise.
Positive Energy No. 09. 2015. Acrylic on canvas. 35.8" × 46" 91 × 117 cm. Show: Beautiful Noise.
Positive-E no. 5. 2010. Acrylic on canvas. 31.9" × 25.8" 81 × 66 cm. Show: Negative Never Again.
A.T.G.C. Acrylic on canvas. 173x210cm.
A day in the life (Waiting). Mixed media on canvas. 20x20x3.5 cm 7.8x7.8x1.37 in.
BitterSweet. 2010. Acrylic on canvas. 38.1 x 26.9" 97 x 68 cm.
Buddha Star. 2010. Acrylic on canvas. 31.7" × 39.4" 81 × 100 cm. Show: Negative Never Again.
BUDDHASTAR2013. 2013. Acrylic on canvas. 162x130cm
Great Civilization 世界にこぼれ落ちた悪魔. 2011. Acrylic on canvas. 25 x 25" 64 x 64 cm.
Electric Civilization 電気文明. 2011. Acrylic on canvas. 25 x 25" 64 x 64 cm.
怒怒雲Angry Cloud. 2011. Acrylic on canvas. 45.5 x 35.5 116 x 90 cm.
Collapse of the Myth (神話崩壊). 2011. Acrylic on canvas. 60.5x72.5cm.
溶解バベルMelty Babel. 2011. Acrylic on canvas. 45.5x100cm.
Life Tree Panorama -The Resurrection ライフツリーパノラマ 復活. 2011. Acrylic on canvas. 130x194cm 51x76.3in.
Forestia. 2005. Acrylic on canvas.
efiL. 2006. Acrylic on canvas.
The world of efiL. Acrylic on canvas.
efiL the space. 2012. Acrylic on canvas. 40.5x51cm.
efiL of world. Acrylic on wood. 65x65cm.
Cloud Dragon (Positive Energy No. 8). 2014. Oil on canvas (triptych) On Loan to EPS-Cineworks. 107.5" × 46" 273 × 117 cm.

"I want to change the world."















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